▪ Reseñas | Grandes películas 👉 Sed de mal
* Título original: Touch Of Evil
* Año: 1958
* Dirección: Orson Welles
* Guion: Orson Welles (Novela: Whit Masterson)
* Música: Henry Mancini
* Fotografía: Russell Metty (B&W)
* Reparto: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Marlene Dietrich, Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Dennis Weaver, Ray Collins, Mercedes McCambridge, Joseph Cotten, Zsa Zsa Gabor.
* Productora: Universal Pictures
* Género:
#CINENEGRO
#THRILLER
#INTRIGA
#POLICIAL
#DRAMA
#CRIMEN
* Sinopsis: Un agente de la policía de narcóticos (Heston) llega a la frontera mexicana con su esposa justo en el momento en que explota una bomba. Inmediatamente se hace cargo de la investigación contando con la colaboración de Quinlan (Welles), el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. Una lucha feroz se desata entre los dos hombres, pues cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro. (FILMAFFINITY)
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Reproducimos a continuación -traducción automática mediante- un artículo de 1998 escrito por Roger Ebert (°) sobre esta película de Orson Welles 👇
- Vamos, lee mi futuro por mí.
- No tienes ninguno.
- ¿Qué quieres decir?
- Tu futuro está agotado.
Así habla una madame adivinadora, interpretada por Marlene Dietrich, al sheriff borracho de un pueblo fronterizo, interpretado por Orson Welles, en "Touch of Evil". Sus palabras tienen una triste resonancia, porque Welles no volvió a dirigir en Hollywood después de realizar esta oscura y atmosférica historia de crimen y corrupción.
Fue nombrada mejor película en la Exposición Universal de Bruselas de 1958 (Godard y Truffaut formaban parte del jurado), pero en Estados Unidos se estrenó en la mitad inferior de un programa doble, fracasó y puso fin a las perspectivas de Welles de trabajar dentro del sistema de estudios. Sin embargo, la película siempre ha sido una de las favoritas de quienes disfrutan de la extravagancia visual y dramática. "Había visto la película cuatro o cinco veces antes de fijarme en la historia", dijo una vez el director Peter Bogdanovich a su amigo Orson. "Eso habla bien de la historia", retumbó Welles con sarcasmo, pero Bogdanovich respondió: "No, no... quiero decir que me fijé en la dirección".
Ese podría ser el mejor enfoque para quien vea la película por primera vez: dejar de lado el laberíntico argumento, y simplemente admirar lo que aparece en la pantalla. La película comienza con uno de los planos más famosos de la historia, en el que se sigue a un coche con una bomba en el maletero durante tres minutos y 20 segundos. Y tiene otros movimientos de cámara virtuosos, como un interrogatorio ininterrumpido en una habitación estrecha, y uno que comienza en la calle y sigue a los personajes a través de un vestíbulo y hasta un ascensor. El crítico británico Damian Cannon escribe sobre su "coreografía espacial", en la que "cada posición y movimiento encaja en un todo convincente".
Welles y su director de fotografía, Russell Metty, no se limitaron a exhibirse. Los destinos de todos los personajes principales están enredados desde el principio hasta el final, y la fotografía lo demuestra atrapándolos en los mismos planos, o uniéndolos mediante cortes que coinciden y resuenan. La historia no se mueve en línea recta, sino como una serie de bucles y bobinas.
Algunos de esos bucles se eliminaron cuando los estudios Universal le quitaron la película a Welles y la reeditaron, añadiendo primeros planos y cortando escenas, de modo que existió durante años en una confusa versión de 95 minutos, y luego, con retraso, en una versión de 108 minutos que seguía reflejando la intromisión del estudio. Ahora, por fin, las intenciones originales de Welles (explicadas en un memorando de 58 páginas dirigido al estudio) se reflejan en una versión restaurada que dura tres minutos más y contiene 50 cambios, algunos grandes y otros pequeños. Esta versión ha sido producida por Rick Schmidlin y editada por el ganador del Oscar Walter Murch, inspirada en un artículo crucial de 1992 publicado en Film Quarterly por el crítico de Chicago Jonathan Rosenbaum.
La historia se desarrolla en Los Robles, una sórdida ciudad fronteriza mexicano-americana ("las ciudades fronterizas sacan lo peor de un país"). Es un lugar de bares, clubes de striptease y burdeles, donde la música se derrama en la calle desde todos los clubes. En el primer plano, vemos una bomba colocada en el maletero de un coche, y luego la cámara se eleva y sigue al coche por una franja de escaparates sórdidos, antes de deslizarse hasta la altura de los ojos para captar a una pareja que pasea. Se trata de los recién casados Mike y Susan Vargas (Charlton Heston y Janet Leigh); él es un funcionario mexicano de la policía antidroga.
En un puesto de control fronterizo, se les acaba uniendo el condenado coche, que se ha retrasado por el tráfico y un rebaño de cabras. Mike y Susan están terminando el control cuando se produce una explosión fuera de la pantalla y, finalmente, un corte que muestra el coche en llamas levantándose en el aire. (Siempre me ha parecido que este corte es prematuro; es mejor escuchar la explosión fuera de la pantalla, quedarse con Mike y Susan mientras corren hacia el coche en llamas, y luego cortar).
Todos esperan la llegada del sheriff Hank Quinlan (Welles), una figura maciza, sudorosa y retumbante que se cierne sobre la cámara. (Welles no era tan grande cuando hizo la película, y utilizó relleno y ángulos de cámara para exagerar su volumen). Quinlan se hace cargo, "intuyendo" que la explosión fue causada por la dinamita. Vargas, un espectador, se ve involucrado en la investigación, para gran disgusto de Quinlan; la película se convierte en una competición entre los dos hombres, que lleva a los esfuerzos del sheriff para inculpar a Vargas y a su novia de cargos de drogas y asesinato.
Los espectadores familiarizados con la versión anterior no tendrán la sensación de estar viendo una película diferente, sino que podrán seguir la trama con mayor facilidad. Los cambios más importantes tienen lugar en estos minutos iniciales, cuando se intercalan ahora las historias de los personajes de Heston y Leigh (el estudio colocó todos los peligros de la esposa con una banda local después de los tratos de su marido con Quinlan). Otro cambio significativo: El plano inicial se ve ahora sin créditos superpuestos (se han trasladado al final), y con música de radios de coches y clubes, en lugar del tema del título de Henry Mancini (Welles pensó que la música de origen y los efectos de sonido establecerían mejor la atmósfera).
Welles llena su historia con una carnosa selección de personajes secundarios, entre ellos el fiel compañero de Quinlan, Menzies (Joseph Calleia), el baboso jefe del crimen local, Grandi (Akim Tamiroff), la madame local (Dietrich), una marimacho líder de la banda (Mercedes McCambridge), un ineficaz fiscal del distrito (Ray Collins, de "Ciudadano Kane") y, sobre todo, un empleado nocturno de un motel obsesionado sexualmente (Dennis Weaver), cuya peculiar actitud escurridiza podría haber dado ideas a Anthony Perkins para "Psicosis" dos años después.
Estas figuras se mueven de un lado a otro de la frontera, a través de una serie de lugares sombríos y lúgubres. Aunque es posible seguir la línea argumental, lo realmente importante es la forma en que Quinlan se desvía de la investigación para seguir su propia agenda. Tiene prejuicios contra los mexicanos, está resentido con Vargas por invadir su terreno, y apoya sus "corazonadas" plantando pruebas. Cuando Vargas le llama la atención sobre el fraude, jura destruirlo.
Mientras Vargas y Quinlan compiten por su posición en la investigación, Susan corre peligro en escenas que funcionan como un contrapunto aterrador. Vargas, imprudentemente, aloja a su mujer en un motel dirigido por la banda local, y unos jóvenes matones la aterrorizan. Sus peligros rozan a veces lo ridículo, especialmente en una escena en la que iluminan su habitación con una linterna. Más tarde, se insinúa una violación en grupo, pero la película curiosamente ignora u olvida sus repercusiones para Susan.
Menzies, el ayudante del sheriff, ha sido fiel a Quinlan porque el sheriff detuvo una vez una bala destinada a él. La película establece su iluminación gradual, a medida que Vargas demuestra que Quinlan plantó pruebas e inculpó a personas inocentes. ¿Por qué Quinlan cae tan bajo? Treinta años antes, su propia esposa fue asesinada y el asesino quedó libre; ahora se jacta: "Ese fue el último asesino que se me escapó de las manos".
En la secuencia final, el desilusionado Menzies lleva un micrófono oculto mientras incita a Quinlan a confesar. Vargas les hace sombra con una radio y una grabadora. Esta escena es visualmente efectiva, ya que el sheriff y el ayudante siguen un canal lleno de basura, pero no es lógica. Vargas vadea el agua y escala montañas de escombros para mantenerse al alcance de la radio de los hombres que hablan, cuando podría haber ocultado simplemente la grabadora de Menzies. E inexplicablemente deja la radio encendida para que Quinlan pueda escuchar el eco de su propia voz. Esto funciona como espectáculo, pero falla como estrategia.
Los temas superficiales de "Touch of Evil" son fáciles de detectar, y el choque entre las culturas nacionales recibe un giro irónico: Vargas refleja los estereotipos gringos, mientras que Quinlan encarna los clichés sobre los agentes de la ley mexicanos. Pero puede haber otro tema al acecho bajo la superficie.
Gran parte de la obra de Welles era autobiográfica, y los personajes que eligió para interpretar (Kane, Macbeth, Otelo) eran gigantes destruidos por la arrogancia. Ahora consideremos a Quinlan, que cuida las viejas heridas y trata de orquestar este escenario como un director, asignando diálogos y papeles. Hay un sentido en el que Quinlan quiere el corte final en la trama de esta película, y no lo consigue. Está agotado tras años de indulgencia y autoabuso, y su ego le lleva a los problemas.
¿Existe una resonancia entre el personaje de Welles aquí y el hombre en el que se convirtió? La historia de la carrera posterior de Welles es la de los proyectos que quedaron sin completar y las películas que fueron modificadas después de que él las dejara. Hasta cierto punto, sus personajes reflejaban sus sentimientos sobre sí mismo y sus perspectivas, y "Touch of Evil" puede ser tanto sobre Orson Welles como sobre Hank Quinlan. Welles aportó un gran estilo a sus películas, abrazando el exceso en su vida y en su trabajo como el precio (y la recompensa) de su libertad.
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(°) Roger Ebert fue el crítico de cine del Chicago Sun-Times desde 1967 hasta su muerte en 2013. En 1975 ganó el Premio Pulitzer a la crítica distinguida.
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